Te platico es una pintura digital de mi perro, llamado Argos, que es un Ganadero Australiano, muy agradable y mordelón. Este perro tiene un pelaje brillante y colorido que destaca bajo la luz del sol mientras juega en el jardín. Siempre está lleno de energía, corriendo detrás de una pelota y ladrando de felicidad, y su personalidad juguetona y cariñosa lo convierte en el compañero ideal. Además, Argos tiene una inclinación especial por hacer trucos y aprender nuevas habilidades, lo que añaden aún más diversión a nuestras tardes juntos.
Esta pintura digital la hice en el Scketckbookpro, que me permitió explorar nuevas técnicas y estilos en el mundo del arte. A medida que trabajaba en la obra, me aventuré a experimentar texturas únicas, buscando capturar la esencia de mis ideas en cada trazo. La interfaz intuitiva de la aplicación facilitó el proceso creativo, permitiéndome ajustar detalles con precisión y fluidez. Sin duda, esta experiencia fue enriquecedora y me motivó a seguir perfeccionando mis habilidades en el arte digital.
Existe diferencias entre la ilustración científica y el dibujo naturalista, ya que la primera se centra en la precisión y la claridad de los detalles para comunicar información específica sobre un organismo, mientras que el segundo tiende a capturar la esencia y la belleza estética de la naturaleza en su representación. La ilustración científica busca respetar las proporciones correctas y los colores reales, facilitando así el estudio y la identificación de especies. En cambio, el dibujo naturalista permite la expresión artística del ilustrador, que puede incluir elementos como el entorno y la interacción del sujeto con su hábitat, creando una conexión más emocional con el espectador. Ambas técnicas son valiosas a su manera, pero cada una sirve a propósitos diferentes en el mundo del arte y la ciencia.
La ilustración Científica
Divulga información científica de forma precisa y objetiva, enfocándose en aspectos técnicos y conocimiento objetivo. La metodología del dibujo científico: Representa la realidad de forma no interpretativa, priorizando la precisión y el rigor científico, a menudo con el aval de un experto. Las Características visualesdel dibujo científico: Usa escalas, anotaciones, se enfoca en detalles anatómicos y morfológicos, y a menudo se presenta en blanco y negro con técnicas como el puntillismo.
Se basa en la percepción subjetiva del artista, priorizando la estética y la emoción sobre el realismo estricto.
Estilo visual: Permite la libertad artística, con formas exageradas y no necesariamente representativas, aunque puede incluir detalles realistas.
Propósito: Busca la belleza y la evocación, aunque también puede tener un propósito educativo o de conservación.
Historia y evolución del dibujo naturalista y científico
El dibujo ha sido, desde hace siglos, una herramienta esencial para documentar y comprender la naturaleza. Su desarrollo ha estado íntimamente ligado a la historia del arte y la ciencia.
Renacimiento
En este periodo se fusionaron el arte y la investigación científica. Figuras como Leonardo da Vinci realizaron estudios anatómicos y botánicos con una precisión inédita, abordando la representación de plantas con un enfoque meticuloso y casi experimental. Alberto Durero, por su parte, dejó huella con sus detalladas observaciones de la naturaleza, como se aprecia en su célebre obra Gran pieza de hierba (1503).
Era de la Exploración (siglos XV – inicios del XVII)
Las expediciones a “tierras lejanas” impulsaron el dibujo como medio para registrar la biodiversidad recién descubierta. Artistas como Jacques le Moyne, John White y Albert Eckhout acompañaron a exploradores para documentar flora, fauna y paisajes con un realismo fundamental para el conocimiento científico de la época.
Época dorada de la ilustración botánica (siglo XVIII)
Este fue un momento de esplendor para la representación científica de plantas. Pierre-Joseph Redouté, conocido como “el Rafael de las flores”, destacó junto a Elizabeth Blackwell y Maria Sibylla Merian. Merian, pionera en el estudio de insectos y plantas, produjo obras de gran precisión como Metamorphosis insectorum Surinamensium, resultado de una observación directa y paciente.
Siglos XIX y XX
Antes de la llegada masiva de la fotografía, el dibujo siguió siendo una herramienta imprescindible para naturalistas e investigadores. Las ilustraciones científicas de este periodo se distinguían por su rigor y detalle. Las guías de campo, como las de Olrog, se popularizaron por su exactitud en la identificación de especies. En paralelo, artistas como Thomas Moran y George Catlin plasmaron tanto paisajes como la interacción del ser humano con el entorno natural
La simbiosis de la observación Científica & Artística
Observación Científica: Tiene una “estructura definida y propósito determinado”, buscando la “perfección de la reproducción” y la captura de “cada detalle posible de dibujar” (La observación y el dibujo).
Observación Artística: Nace de la “percepción conjunta de los sentidos y lo que el modelo provoca en el artista”. Es un fenómeno que se deja afectar e involucrar con el objeto observado, generando una “simbiosis” (La observación y el dibujo).
Seis puntos de impacto del Dibujo Naturalista y Científico
En primer lugar. Facilita la comprensión de conceptos complejos, haciendo la ciencia más accesible al público general y a los niños. Esto se evidencia en su uso en enciclopedias, textos educativos y festivales de aves.
En segundo lugar. Es una herramienta poderosa para generar conciencia y respeto por la naturaleza. Proyectos como “Arte y Conservación” buscan promover y generar procesos de conservación que comienzan desde el arte.
En tercer lugar. El dibujo permite contar historias de especies en peligro o problemáticas ambientales, reivindicando la figura sagrada que tienen los animales.
En quinto lugar. Los afiches y materiales didácticos basados en ilustraciones pueden empoderar a las comunidades locales, especialmente a los niños, para que se conviertan en protectores de las aves y tomen decisiones que favorezcan su medio ambiente.
En sexto lugar. Los Cuadernos de Campo son herramientas esenciales para naturalistas y profesionales, ya que condensan información y sirven como fuente de información primaria en investigaciones paleontológicas, donde un yacimiento, una vez excavado, deja de existir
Referencias :
Academia Entretinta, Alejandra Riffo, Museo Nacional de Ciencias Naturales Madrid
El dibujo gestual es una técnica esencial en el enfoque de Kimon Nicolaides, reconocida por su impresionante capacidad para capturar el movimiento y comprender la forma. No se trata únicamente de crear imágenes estáticas; se trata de encarnar la dinámica y la energía del sujeto, permitiendo que la esencia de lo que se observa fluya con vida a través de la página. Este proceso exige del artista no solo una percepción aguda, sino también una profunda conexión emocional con el sujeto que retrata. Es un paso decisivo en el desarrollo de la habilidad de un artista para representar la vida y el movimiento en su obra, ya que fomenta tanto la técnica como la interpretación personal, enriqueciendo la obra final con una profundidad que refleja la experiencia auténtica. A medida que los artistas dominan el dibujo gestual, adquieren una extraordinaria sensibilidad a las sutilezas del cuerpo humano y su postura, lo que les permite narrar historias complejas a través de trazos y líneas con confianza y maestría.
Propósito y Enfoque
El dibujo gestual se centra en esbozar de manera rápida y fluida la esencia de un sujeto. Esta técnica poderosa permite a los artistas ver y sentir el movimiento, el peso y el flujo de lo que observan, llevándolos a trascender la superficie y conectar profundamente con el tema. A través de la práctica del dibujo gestual, los artistas no solo capturan la forma, sino que también comunican con efectividad las emociones y sensaciones que el sujeto evoca. Al enfocarse en el movimiento y la forma, los artistas se liberan de la necesidad de capturar meticulosamente detalles aislados y, en cambio, transmiten las características gestuales más amplias que infunden vitalidad y fuerza a sus dibujos. Esta técnica no solo agudiza la habilidad de observación, sino que también cultiva una conexión intuitiva con el medio, permitiendo que la creatividad fluya con libertad. Además, el dibujo gestual establece una base de fluidez y espontaneidad en el repertorio del artista, favoreciendo el desarrollo de un estilo único que refleja su visión estética. Con cada trazo decidido, se convierten en narradores visuales, capaces de contar historias a través de la simplicidad y la expresividad de sus obras.
Cómo Practicar el Dibujo Gestual
• Comienza con esbozos breves y cronometrados (de 30 segundos a dos minutos) para capturar los movimientos y formas básicas del sujeto.
• Se insta a los artistas a mover su herramienta de dibujo de manera rápida y segura.
• Este ritmo acelerado requiere decisiones inmediatas e intuitivas en las poses.
• Un ejercicio importante es dibujar modelos en vivo rápidamente, centrándose en el movimiento general para desarrollar ritmo y fluidez.
• También se sugiere estudiar los movimientos de animales o peatonespara practicar la captura de gestos espontáneos e impredecibles.
• Estos ejercicios están diseñados para soltar la coordinación entre la mano y el ojo, fomentando un proceso de dibujo más instintivo.
• La repetición es clave; al esbozar gestos repetidamente, los artistas construyen una memoria visual del movimiento y la forma.
Beneficios del Dibujo Gestual
• Mejora la capacidad del artista para representar la vida y el movimiento.
• Permite a los artistas transmitir la esencia y el espíritu del sujeto, en lugar de solo la ejecución perfecta.
• Ayuda a desarrollar un estilo de dibujo más instintivo y expresivo.
• Contribuye a que los dibujos sean más dinámicos y vibrantes.
• Es un componente vital del enfoque holístico del arte de Nicolaides, que integra varias técnicas para un conjunto de habilidades más sólido.
En el contexto general de “La forma natural de dibujar”, el dibujo gestual se establece como una de las técnicas clave (junto al dibujo de contorno, el dibujo de masas y el dibujo de memoria) que Nicolaides demanda integrar para lograr un enfoque completo y holístico del arte. Esta técnica no solo permite a los artistas capturar la esencia del movimiento, sino que también les brinda la oportunidad de explorar la espontaneidad y la expresión emocional en sus obras. Al fusionar estas efectivas técnicas, los artistas sin lugar a dudas adquieren una comprensión más profunda de la forma, el movimiento y la expresión, lo que les habilita para crear composiciones más dinámicas y resonantes. Además, al practicar el dibujo gestual, los artistas pueden afinar sus habilidades de observación, lo que les permite interpretar mejor el mundo que los rodea y traducir esa percepción en sus creaciones artísticas. De este modo, se genera un ciclo continuo de aprendizaje y desarrollo, que no solo enriquece su práctica, sino que también profundiza su conexión con la vida misma.
Cada uno de nosotros, cuando comenzamos a dibujar, nos encontramos en una emocionante aventura con nuestros trazos, impulsados por la oportunidad de explorar nuestra creatividad.
Aunque a menudo sentimos que lo que hacemos no se asemeja a nuestra visión ideal, esta autocrítica puede transformarse en una fuente de motivación, ya que cada dibujo nos enseña algo nuevo y valioso sobre nuestro estilo personal.
La frustración puede aparecer, pero también puede ser la chispa que nos impulsa a mejorar, llevándonos a experimentar con diversas técnicas y a descubrir aspectos sorprendentes de nuestro propio arte. A medida que integramos nuestros sueños e ideales artísticos, son un faro que nos guía hacia un futuro prometedor. Cada garabato y cada trazo son hitos en nuestra evolución como artistas, y cada boceto, por más simple que sea, es un peldaño que nos acerca a nuestra voz creativa auténtica.
En lugar de ver el contraste entre nuestra obra y el ideal como un obstáculo, debemos celebrar la oportunidad de crecimiento que presenta, sabiendo que cada día de práctica nos acerca más a esa expresión que anhelamos. Es crucial abrazar nuestra manera natural de dibujar y comprometernos a ejercitarla cada día, disfrutando del proceso sin presión.
Mira las siguientes estrategias que ayudaran a mejorar tu práctica.
De las estrategias importantes para desarrollar tu practica recomiendo:
Centrarte en lo que ves es esencial. Es comprensible que, al dibujar, puedas sentir frustración y la necesidad de borrar constantemente. Esto a menudo sucede porque tu mirada no está enfocada fuera de ti. Tómate un momento para respirar, observa a tu alrededor con calma y, cuando te sientas listo, comienza de nuevo con el dibujo, dejando de lado la necesidad de borrar.
Dibujos gestuales, dibujos de contornos, dibujos de masas y volumenes, dibujos de memoria.
Dibujar no es solo tener buena mano; es una forma de afinar cómo miramos el mundo y conectar mejor con lo que nos rodea. Se trata de practicar y aceptar que aprender lleva tiempo. Si mezclamos técnicas como el gesto, contorno, masa y memoria, podemos ver las cosas de otra manera y hacer dibujos que son auténticos y llenos de vida.
Les comparto el siguiente podcast donde hice una pesquiza en mi Notebooklm de tres autores comparten sus perspectivas únicas sobre la forma natural de dibujar: Bruna Roqué, Juan Linares y Kimon Nicolaides, quienes nos inspiran con sus valiosas reflexiones en este maravilloso camino artístico.
